" La belleza de las cosas existe en el espíritu de quien las contempla"
David Hume, Filósofo.


miércoles, 11 de diciembre de 2013

JUAN VIDA


     Juan Vida Arredondo nació en Granada en 1955. Es un pintor español conocido sobre todo por el arte pictórico, aunque también ha trabajado en el campo de las artes gráficas.

     El artista estudió Geografía e Historia en la especialidad de Historia del Arte. Desde el año 2001 es académico numerario en la real Academia de Bellas Artes de Granada. 

     Desde 1968 lleva exponiendo su obra por la cual ha recibido numerosos premios y distinciones. ademas ha participado en numerosas exposiciones internacionales de arte y ha expuesto individualmente en Europa y Estados Unidos.

     En cuanto a su obra, Juan Vida es uno de los representantes de la figuración, teniendo su pintura una marcada tendencia a lo narrativo sin dejar de lado el elemento pictórico. Su pintura siempre se ha alimentado de la memoria, apareciendo en sus obras una serie de elementos que despiertan la memoria personal y colectiva del espectador.
Juan Vida Arredondo


     El pasado 07 de octubre el artista inauguró una exposición en la Biblioteca Andalucía de Granada la exposición "El cristal por el que se mire", la cual fuimos a ver por las recomendaciones del profesor Emilio Zurita. La exposición la componen una serie de collages en los que el autor, Juan Vida hace una critica a la situación actual de crisis, una crisis que no es solo económica, si no que también es una crisis de valores debido al estado actual lleno de desahucios, desempleo, emigración, suicidios, y demás atropellos a los valores que se están viendo en la sociedad actual.


Juan Vida en la exposición


VISITA A LA EXPOSICIÓN JOSÉ GUERRERO


Letrero del centro José Guerrero


"El arte es para todos, pero solo una élite lo sabe"


    José Guerrero contó mas de una vez que Rothko le hizo ver la fatalidad del artista contemporáneo: trabaja para los demás, daba su vida por ellos, pero tenia que hacerlo, emboscado, a solas en su estudio: " es como estar en la resistencia, como el Maquis". El aislamiento era el precio que había que pagar por la imcrompresion general hacia el sentido de su drama "La batalla de Rothko con la pintura no estaba solamente en los enormes espacios de color, si no en el peligroso borde de esas manchas. En el temblor, en la vereda estrecha entre espacios grandiosos. Allí, en ese abismo, es donde luchaba y donde encontró la muerte".

     La relación del arte con el publico no siempre fue fácil pero quizás nunca se revelará tan sentidamente su dificultad como con la pintura abstracta. Se representa aquí un conjunto representativo de la obra de madurez de José Guerrero que prolonga, por extrañas galerías, los sueños y crímenes de Dora García, a la vez que esta comenta la conflictiva relación a la que se enfrentaría el pintor con una de sus frases de oro: " El Arte es para todos, pero solo una élite lo sabe"




Vista panorámica de la Exposición


OFERTA CON ROJO, 1988

Óleo sobre lienzo.
Colección Centro José Guerrero

     El espacio que ha pintado Guerreo ha sido siempre muy enigmático, a pesar de su sencillez: se basa en una muy leve tensión entre el fondo y el primer plano que queda inminente mente corregido a través del color, a veces en color dominante, generando un plano único, pero profundo, o al menos, dotado con una fuga que marca fundamentalmente la pincelada mas o menos suelta, mas o menos abierta.



Oferta con rojo, 1988


VERDE DE SAPÉN, 1990


Óleo sobre lienzo
219,5 x 189,5 cm.

     Yo pinto con el color,pero al final remato esas manchas con esas líneas negras, como si las atase, no quiero que se escapen del espacio del lienzo.

José Guerrero



Verde de Sapén, 1990


LITORAL, 1979


Óleo sobre lienzo
176 x 126 cm.

     Los colores: Atirantan sus recintos y al llegar al final de su litoral, allí se aprisiona todo, allí han terminado los espacios, las lineas, allí están los latidos.

José Guerrero.

Litoral, 1979



AZUL AÑIL, 1989


Óleo sobre lienzo
185 x 145 cm.

     La obra de Guerrero en los noventa no es una reescritura habil y astuta de lo ya conocido, si no, una celebración de las propiedades de la pintura, una transformación del color en forma, donde el proceso de percepción es mucho mas lento y donde entendemos la importancia que en su obra adquiere la naturaleza emocional del espacio y el proceso físico creado.


Azul añil, 1989

LA BRECHA III, 1989


Óleo sobre lienzo
195 x 260 cm.

     La técnica es muy suelta, con una pasta muy diluida, como si el óleo, con mas aguarrás de lo normal, fuese manejado imitando en parte los modos de trabajo propios de la acuarela. Esto acentúa su transparencia, aunque no hay diluidos ni chorreados de pintura. La sensación de alegría y desenfado en muy intensa. Me gusta ver en estas obras una batalla personal por la inmaterialidad, la superación definitiva de las texturalizaciones que le obsesionaron en la primera etapa << clandestina>> de su carrera. Son << pinturas de conceptos>>. Guerrero, liberado al fin de un asunto de luz y de color, todo ligero, parecía querer pintar las mismas cosas que cantaba el poeta Jorge Guillen.
Juan Antonio Ramirez. 


La brecha III,1989


OTRAS SALAS DEL CENTRO JOSÉ GUERRERO




Vistas de la ventana que hay en la sala






JOSÉ GUERRERO


     La infancia de Jose Guerrero fue la de un niño pobre, pero feliz. Comenzo sus estudios en la Escuela Graduada de la Calle Gran Capitán, cuando tenia 14 años, tuvo que interrumpir sus estudios para iniciarse al mundo laboral tras la muerte de su padre. Comenzó en un taller que estaba en la calle en la que vivia, y mas tarde se incorporó como tallista en el taller de Juan Martinez Herrera.

     En 1931 Juan Martinez, le aconsejó que aprendiese dibujo, y, asi hizo, se matriculó en La Escuela de Artes y Oficios en horario nocturno, es allí donde despertó su vocación artística.

    Entre los 17 y los 20 años, alternó los estudios y el trabajo, ademas de iniciarse por su cuenta a la pintura, hasta que en 1934 abandonó la escuela.

1935 fue un año de cambios muy distintos para José ya que comenzó entrando en el mundo de la cultura granadina pero que tras el estadillo de la Guerra Civil tuvo que irse a Ceuta.

     En 1939, tras licenciarse en Mataró, regresó a Granada pero en 1940 volvió a la capital y vendió una serie de cuadros de la Duquesa de Lesera. En Madrid ingresó en la Escuela Superior de Arte  San Fernando, destacando de esta época cinco premios y matri
José Guerrero

    


viernes, 6 de diciembre de 2013

COMENTARIO DE UN ARTICULO: SEGUID ASÍ, MUCHACHOS DE ERNESTO CASTRO

El articulo es el siguiente:


"Hecho un Cristo: los pies por delante, el cuerpo arañado y todo lleno de excrementos. Así salió Abel Azcona el pasado jueves 15 agosto de la galería de Madrid donde estaba haciendo Dark Room, un performance que consistía en pasar dos meses confinado, sin contacto alguno con el exterior. Apenas ha podido aguantar el artista 42 de las 60 jornadas de absoluta oscuridad inicialmente previstas, hallándose desde la segunda semana en un estado mental rayano el catatónico y haciendo cosas raras a las 72 horas del encierro, como mearse por ejemplo sobre su propia comida. Llega el cuarto día de clausura: «Nos preocupan heridas en el rostro, con visionado nocturno percibimos que son de arañazos al rascarse compulsivamente», escriben en su telegráfico cuaderno de bitácora los celadores de Abel Azcona, malhadado conejillo de Indias de sí mismo. Según declaraciones del pamplonico, el objetivo de este especial encierro era profundizar hacia una identidad personal genuina apartada del mundanal tráfico de información. «Perder la noción del tiempo y de mi propio yo. Construir una identidad no contaminada.» Alguien podría y debería haberle advertido que el Mito de la Caverna cuenta otra cosa, que sin luces y sombras no hay sujeto. Y sin sujeto, bueno, sin sujeto no hay nada. Y cuando digo nada: «Gran descoordinación de cuerpo. Gran suciedad y falta de higiene. Extrema delgadez. Comportamiento ilógico, sonidos, gritos o movimientos espásticos», vuelven a anotar cuatro días antes del precoz final de Dark Room. Por desgracia ignoramos si el resultado del experimento termina siendo que los performers globetrotters ni nacieron ni se hicieron para vivir en cautiverio (24 horas antes de Dark Room Abel Azcona estaba en una sesión de fotos en Pamplona: malos preliminares preparatorios para el retiro son las angulares y los flashes) o si resulta que el anatnam budista era esto. ¿Ha alcanzado Abel Azcona el Nirvana?"

COMENTARIO:


     Bajo mi punto de vista y la poca formación en cuanto a conocimientos artísticos creo que el hecho de este artista bajo mi punto de vista no es una obra de arte ya que considero que eso es mas bien un reto personal que el se a impuesto o, bueno podría formar parte de algún experimento, o ayudar a entender la mente humana pero arte creo que no pues, no creo que muestre algo estético o que influya en la vida del espectador, aunque si lo miramos por esa cuestión, podría considerarse arte, pues hace reflexionar acerca del tema de la sociedad actual, aunque bajo mi punto de vista ese hecho se debería tomar como una experiencia del autor y, no como una obra de arte.

Imagen que acompaña la noticia http://salonkritik.net/












TRABAJO DE LOS RECTÁNGULOS PROPORCIONALES DE UNA GAMA DE COLOR


     El trabajo, inspirado en Mark pothko consistía en dibujar una serie de rectángulos de diferentes tamaños pero siempre guardando la proporción de tamaño entre ellos y entre ellos y las proporciones del soporte usado, en nuestro caso una tabla de 40x30 cm, de tal manera que los diferentes rectángulos sean de diferente color dentro de una misma gama de color ( tres colores consecutivos del circulo cromático) .

      Para ello lo primero que he hecho ha sido obtener las medidas de los rectángulos de tal manera que sean proporcionales entre ellos y con el soporte. Para ello sobre un papel de mayor dimensión que el soporte he dibujado en una esquina el soporte, es decir, he representado un rectángulo de 30 x 40 cm y, sobre el lado superior he realizado el teorema de thales para dividir uno de los lados pequeños en  partes iguales; una vez hecho esto, he trazado una diagonal en el rectángulo de 30x40 cm; hecho esto, he unido las diferentes divisiones con esta diagonal mediante perpendiculares paralelas a uno de los lados verticales del rectángulo; y, por ultimo, he unido el corte de las verticales con la diagonal con el lado izquierdo del rectángulo. Se muestra el proceso en el siguiente vídeo:


     Tras la realización del proceso que anteriormente se describe y se muestra en el vídeo obtenemos rectángulos proporcionales entre sí y entre el soporte ( 30x40 cm) los cuales tienen las dimensiones que en el vídeo se detallan que son las siguientes:



  1. 03,10 x 04,00 cm
  2. 06,00 x 07,90 cm
  3. 09,00 x 11,80 cm
  4. 11,90 x 15,70 cm
  5. 14,80 x 19,60 cm
  6. 17,80 x 23,70 cm
  7. 21,00 x 27,90 cm
  8. 24,10 x 32,00 cm
Localización de los rectángulos usados


     Aunque solo se he usado los rectángulos numero 1,3,4 y 5.
     Los he dispuesto haciendo dos escalas que se superponen una encima de la otra entrelazando así de esta forma algunos de las formas que las componen. Además he colocado tres cuadrados del numero uno en los laterales para quitarle monotonía a la composición, aportarle algo de serenidad ya que todos los rectángulos están en vertical y por cuestiones de color que a continuación se detallan.

     En cuanto al color, lo que se pedía era que se usase una grama cromática de tres colores consecutivos del circulo cromático, para ello yo he optado por coger el amarillo, el naranja amarillento y el verde amarillento. 
Gama cromática seleccionada

Con los colores y los rectángulos he jugado, de tal manera que la composición se divide en  zonas; la escala que esta en la parte inferior en la que se muestran los tres colores seleccionados añadiéndole negro; la parte superior en la que se muestran los colores añadiéndole blanco y dos pequeñas composiciones de tres rectángulos pequeños ( número 1) que muestran el color original, es decir, amarillo, verde amarillento y naranja amarillento).

Explicación de la dispersión de los colores en la compasión



El resultado final es el siguiente:

Vista en perspectiva

Vista frontal










ARTISTAS MENCIONADOS EN CLASE: MARK ROTHKO



     Mark Rothko fuen un pintor estadounidense que nació en Letonia en 1903 y murió en nueva York en 1970 ya que emigró a los Estados unidos cuando era niño. Allí curso sus estudios universitarios, aunque su formación artística fue de una manera autodidacta.



     En sus inicios, Mark Rothko se dedicó al subrealismo y al expresionismo y poco a poco fue llegando a un estilo muy personal que lo convirtió en una de las figuras mas representativas del expresionismo abstracto junto con B. Newman y S. Francis, dentro del campo del color.

     Sus obras suelen ser de gran tamaño y agrupadas en  series, con poca variación compositiva ya que básicamente son cuadrados de diferente color y bordes irregulares que se cruzan de arriba a abajo.
Como curiosidad decir que se cree que su paleta cromática fue oscureciéndose es a causa de un estado depresivo que lo llevó al suicidio.


Mark Rothko
Obra de Rothko

Obra de Rothko




TRABAJO EN CLASE

     La siguiente foto es una foto tomada en clase, muestra el trabajo en clase. En la foto aparecen las siguientes compañeras: Andrea Maldonado, Sandra Pedraza, María Torres ( de izquierda a derecha). Fue tomada en una de las clases cuando estaba el profesor Emilio Zurita y se estaba haciendo en trabajo de los rectangulos de una misma gama de color, el cual se describe en la siguiente entrada.
Trabajo en clase

sábado, 2 de noviembre de 2013

ART PROYECT


    Art Proyect es un sitio web en el que hay almacenadas una enorme colección de imágenes en alta resolución de numerosas obras de arte expuestas en diferentes museos del mundo.
El proyecto fue presentado por el servicio de Google el 1 de febrero de 2011 con 1.061 obras de arte.
    Bajo mi punto de vista es una experiencia fascinante, hay infinidad de artistas y de obras, ademas, se pueden acercar las imágenes tanto que se pueden ver las pinceladas en el cuadro, o las grietas de la pintura.Incluso te puedes crear tu propia galería de arte personalizada, coger dos obras y compararla.
     En definitiva, una agradable experiencia, que ademas, será de gran ayuda.


Inicio página Art Proyect

Obra de arte en detalle

Detalle en pantalla completa de una obra de arte






COMENTARIO DE LA PELÍCULA "EL SOL DEL MEMBRILLO"


     Es una película que se hizo en 1992 de la mano del director y guionista Víctor erice.
Primer cuadro que realiza en la película
La película, que acontece en la periferia de Madrid, nos relata como el pintor, Antonio López; el protagonista, intenta pintar un árbol, que el mismo planto en la época de maduración de sus frutos. Para ello, la película, nos cuenta los pasos que el artista sigue día a día para poder representar el árbol tal y como es haciendo especial atención a los rayos de sol que inciden directamente sobre las hojas y los frutos.

     La película comienza un 28 de septiembre con el pintor preparando el soporte sobre el cual va a pintar, luego observa y examina lo que va a pintar y, acto seguido acota los espacios. Después prepara el lugar de trabajo, el caballete y la paleta.
El día 1 de octubre aparece el protagonista lavando los pinceles y, al acabar aparece hablando con su mujer sobre el cuadro, que quiere remarcar los rayos de sol, que son muy complejos y que por ello es mejor pintar por la mañana, y, tras un rato de conversar hacerca del cuadro le pregunta que tal le ha ido el día.

     El día 2 de octubre es un día lluvioso, por lo que pintar el árbol es algo complicado bajo la lluvia, por ello tapa el árbol con una especie de invernadero que lo protege de la lluvia y, así, poder seguir pintando.

     Días después, el 10 de octubre lo visita un amigo al que le enseña cómo va la obra y, tras comentarla llegan a la conclusión de que el cuadro por la parte superior no respira, que le faltarían unos seis centímetros, después, mientras el sigue pintando comentan  anécdotas.

     Pasan los días y en ellos aparece el pintor en la realización del cuadro, inclusive los días de lluvia.
El día 24 de octubre, también sigue lloviendo, pero el pintor no está pintando, sino que, con la ayuda de su mujer preparan un nuevo soporte para realizar un nuevo trabajo, y el 25 de octubre aparece llevando el cuadro, inacabado al sótano, donde lo deja guardado. Y,  en el exterior comienza un nuevo lienzo en blanco, bajo el invernadero, ya que aún sigue lloviendo.

     El día 28 de octubre el artista sigue con su obra delante del membrillo, esta vez con su familia, la cual esta asombrada porque ahora no está pintando el árbol, sino que lo está dibujando, y, les comenta que ha dejado de pintarlo porque la luz ha sido muy cambiante.

     El 2 de Noviembre aparece pintando en compañía de una pareja de orientales los que le dicen que usa unas técnicas que son diferentes a los de los demás pintores, a lo que él dice que sí, que usa sus propias técnicas, y comenta algunas como por ejemplo las señales que les hace a los membrillos, que señalan como han ido bajando al paso del tiempo, también les dice que es la tercera vez que pinta el árbol y que primero lo empezó con oleo pero que ahora lo que está haciendo es un dibujo.

Días después sigue dibujando, incluso el día 19 de octubre tiene un chico junto al que con una caña sube las hojas que con el tiempo han caído hacia abajo tapando las frutas.

     Poco a poco pasa el tiempo y llega el día 3 de diciembre y se da cuenta que las frutas se caen y, sin más remedio el día  retira la especie de invernadero, retira el cuadro, y deja de pintar al membrillo.

     Tras esto aparece tumbado en una cama y la mujer retratándolo tumbado, se queda dormido y se le cae un diamante, el cual la mujer se lo vuelve a meter en  su bolsillo.

     Días después aparece en la noche los membrillos en el suelo alumbrados por un foco de luz y una videocámara grabándolos, el pintor, durmiendo y contando como de pequeño recuerda unos árboles de membrillos y que ahora, la situación actual es unos membrillos en el suelo descomponiéndose a la luz de un foco y siendo grabados por una videocámara.

    La película termina con un plano de los frutos descompuestos en primavera, unos meses después del tiempo de acción de los hechos que relatan la película.


OPINIÓN PERSONAL


Bajo mi punto de vista he visto que el protagonista le pone bastante empeño a lo que hace, se nota que le gusta, aunque, en algunos casos muestra algo k me atrevería a llamarlo casi obsesión, ya que por ejemplo, en la escena que aparece hablando con su mujer le ha preguntado qué tal el día después de haber conversado acerca del cuadro, y, en mi opinión eso creo que demuestra que para él es más importante el cuadro que su propia familia, o a menos, eso me ha dado a entender; o, cuando llega su amigo que viene de algún sitio lejos, ni siquiera lo saluda.

     En cuanto a la técnica pictórica, yo, soy estudiante de primero y, se lo más básico, pero pienso que o es muy obsesivo con la perfección o estaba indeciso al pintar el árbol ya que hacía, bajo mi punto de vista muchas marcas de referencia, que creo que le pueden llegar a la confusión.

     Además, en la película hay algunas controversias, como cuando le dice a la mujer asiática que no le parece correcto que los pintores trabajen con fotografía, y, según he buscado, el ha usado la fotografía; también comenta que el árbol ha de ser simétrico y, un árbol, para representarlo realista nunca ha de ser simétrico porque las plantas por regla general nunca son simétricas, y mucho menos aun un árbol. Y por último, en una escena de las del principio de la película, coloca la regla sobre el cuadro cuando está pintando, y, cuando la quita la regla no sale manchada y el óleo es una pintura que tarda bastante en secar, por lo que si se suponía que estaba pintando la regla al quitarla debería haber quedado manchada.

Escena en la que prepara el primer soporte.

Obra y especie de invernadero para proteger de la lluvia
Conversación con la pareja de orientales.



CIRCULO CROMÁTICO


     Es el método que sos sirve para conocer la organización básica y la interrelación de los colores.

     Existen diferentes tipos de realizar el circulo cromático, yo he optado por la realización de dividir el circulo en 12 porciones donde he ido pintando cada una con su color correspondiente (colores primario, secundarios y terciarios), y estas a su vez en 7 porciones donde se ha ido pintando cada una mas clara a la anterior cuanto mas se van acercando al centro.


  • Los colores primarios( Cían, Magenta y Amarillo): son los que en la Teoría tradicional del color no se pueden obtener por la mezcla de cualquier otro color.
  • Los colores secundarios (Violeta, Verde y Naranja): son los que se obtienen al mezclar a partes iguales dos colores primarios
  • Los colores terciarios( rojo violaceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul violaceo)
     De la mezcla de todos los colores pigmento ( los usados para el circulo cromático que se muestra continuación) se obtiene el color negro el cual lo hemos representado aparte, en una franja que también hemos dividido en siete porciones el las que cada una ha sido pintada con el color negro mezclado con diferentes cantidades de blanco creando una escala de diferentes tonos de grises comenzando por el color negro.

     El siguiente circulo cromático ha sido pintado sobre un tablero de DM de 40x30 centímetros el cual ha sido preparado con gesso para su posterior imprimación del circulo cromático.


Círculo Cromático, vista central.

Círculo Cromático, vista en perspectiva.


domingo, 27 de octubre de 2013

TRABAJO "CERO"


     El trabajo "cero" ha sido el primer trabajo del curso de Principios Básicos De La Pintura y, ha consistido en realizar una obra usando cualquier soporte y la técnica deseada, por eso, yo, he usado la técnica de la decoloración para pintar, esta técnica consiste como su nombre indica, que vez de pintar añadiendo color se trabaja quitándole el color al soporte, para ello yo he usado una cartulina negra cuyas dimensiones han sido de 40 x 40 centímetros y como decolorante he usado la lejía.

     El tema de mi trabajo ha sido la Alhambra, monumento emblemático de Granada, para ello he dibujado la silueta del monumento, la cual he dejado sin decolorar, y, lo que de decorándolo ha sido el cielo, para el cual he mezclado la lejía con agua para, así, dar la sensación de una noche nublada, iluminada por una brillante luna llena, que he creado echando sobre el soporte lejía pura con algunas gotas de agua. en el dibujo se incluye también un entramado de decoración geométrica en la parte inferior izquierda, el que he pintado esta vez con lejía pura.

Imagen del trabajo " La Alhambra en Lejía"